Enrique Careaga


Enrique Careaga

Enrique Careaga

Enrique Careaga
Nombre real Enrique Careaga
Nacimiento 30 de agosto de 1944
Asunción, Paraguay
Nacionalidad Paraguaya
Área Artista Plástico

Enrique Careaga nació en la ciudad de Asunción el 30 de agosto de 1944. Es un artista plástico paraguayo.


Contenido

Biografía

Nació en 1944 en Asunción, Paraguay. Vivió y trabajó en París desde 1966 hasta 1978. Actualmente reside y trabaja en Asunción.

1965 Cofundador del Museo de Arte Moderno de Asunción. 1966–67 Beca de estudios del gobierno francés. 1980–84 Representante de los artistas en el Consejo Administrativo de la Fundación Museo de Arte Moderno de Asunción. 1993-1994 Miembro del Instituto Cultural Paraguayo Coreano, Asunción. 2000-2009 Miembro de la Asociación Gente de Arte.

Sus obras integran numerosas e importantes colecciones privadas nacionales e internacionales.


Geboren 1944 in Asunción, Paraguay. Lebt und arbeitet in Paris von 1966 bis 1978. Gegenwärtig lebt und arbeitet er in Asunción.

1965 Mitbegründer des Museums für Moderne Kunst in Asunción. 1966–67 Stipendiat der französischen Regierung 1980–84 Vertreter der Künstler im Vorstand der Stiftung Museum für Moderne Kunst in Asunción. 1993-1994 Mitglied des Paraguayisch-Koreanischen Kulturinstituts , Asunción. 2000-2009 Mitglied des Vereins “Gente de Arte”.

Seine Werke befinden sich in zahlreichen nationalen sowie internationalen Privatsammlungen.


Premios y logros obtenidos

1964 Mención de Honor, Pintura, Centro Cultural Paraguayo-Americano, Asunción. 1966 Plaqueta de Oro, 3ª Bienal de Córdoba, Argentina. Mención de Honor, Grabado, Centro Cultural Paraguayo-Americano, Asunción. 1980 Mención Especial, El País-Mundo Color, 1ª Bienal Internacional del Deporte El Fútbol en el Arte, Montevideo, Uruguay. Los Doce del Año, Red Caracol, Asunción. 1999 Homenaje a quienes hacen camino, por su aporte al desarrollo del arte moderno en el Paraguay, Gente de Arte, Asunción. 2003 Premio Expression Fuschia, Asunción. Designado Personalidad Ilustre por el Comité Directivo de Membresía del Mall de la Fama, Asunción.


PREISE UND AUSZEICHNUNGEN

1964 Auszeichnung, Malerei, Wettbewerb der Darstellenden Künste, Paraguayisch-amerikanisches Kulturzentrum, Asunción. 1966 Goldplakette, 3. Biennale in Córdoba, Argentinien. Auszeichnung, Gravierkunst, Wettbewerb der Darstellenden Künste, Paraguayisch-amerikanisches Kulturzentrum, Asunción. 1980 Besondere Auszeichnung, El País-Mundo Color, 1. Internationale Sport-Biennale, Fussball künstlerisch betrachtet, Montevideo, Uruguay. Die 12 Auserwählte des Jahres, Red Caracol, Asunción. 1999 Würdigung der Wegbereiter, für ihren Beitrag zur Entwicklung der Modernen Kunst in Paraguay, Gente de Arte, Asunción. 2003 Preis Expression Fuschia, Asunción. Ernennung Herausragende Persönlichkeit durch die Leitung des Kommitees für Aufnahme in die Halle des Ruhmes, Asunción.

Principales exposiciones individuales

Galería Tayi, Asunción, 1966. Galería Sincron, Brescia, Italia. OAS Gallery Washington D.C., 1975. Galería A, Parma, Italia. Shippensburg State Coll, Pa., USA, 1976. Galería Espacio Unika, Punta del Este, Uruguay, 1979, 1981. Museo de Arte Americano de Maldonado, Uruguay, 1980. Galería Estrella, San Bernardino, Paraguay, 1983, 1985. Galería Agustín Barrios, Asunción, 1984. Galería Magister, Asunción, 1986, 1988, 1990. Galería Manzione, Maldonado, 1987. Galería Latina, Montevideo, 1990. Centro Cultural de la Ciudad , Asunción, 1992. Galería Fábrica, Asunción, 1992. Galería Plástica Nueva, Santiago, Chile, 1993. Municipalidad de Puerto Varas, Chile, 1993. Galería La Casona de Gaja, San Bernardino, Paraguay, 1994. Arte Nuestro Galería, Villarrica, Paraguay, 1994. Viejo Galpón, San Bernardino, Paraguay, 1995. Club Social, Encarnación, Paraguay, 1995. La Galería, Punta del Este, Uruguay, 1996. Taperuvicha-Galería Belmarco, Asunción 1997. Centro Cultural de la Ciudad, salas Castelví y Miguel Acevedo, Retrospectiva 1964–2003, Asunción, 2003. Exposición El Retorno, CAV/Museo del Barro, Asunción, 2005. Cartografía personal, Retrospectiva 1965-2005, Centro Cultural de la República El Cabildo, Asunción, 2005. Centro Cultural Pedro Páramo, Embajada de México, Asunción, 2006. Obras recientes, Galería Fábrica, Asunción, 2007. El origen geométrico: cuarenta estudios preliminares, CAV/Museo del Barro, Asunción, 2007. Espacio, luz y movimiento”, Galería Montealegre, Bogotá, Colombia, 2008. Espacio, luz y movimiento, Instituto Cervantes, Münich, Alemania, 2008. Espacio, luz y movimiento, Galería Z, Bratislava, Eslovaquia, 2009. Espacio, luz y movimiento, Instituto Cervantes, Viena, Austria, 2009.

EINZELAUSSTELLUNGEN:

Galerie Tayi, Asunción, 1966. Galerie Sincron, Brescia, Italien. OAS Gallery, Washington DC., 1975. Galerie A, Parma, Italien. Shippensburg State Coll., Pa., USA, 1976. Galerie Espacio Unika, Punta del Este, Uruguay, 1979, 1981. Museum für Amerikanische Kunst in Maldonado, Uruguay, 1980. Galerie Estrella, San Bernardino, Paraguay, 1983, 1985. Galerie Agustín Barrios, Asunción, 1984. Galerie Magister, Asunción, 1986, 1988, 1990. Galerie Manzione, Maldonado, Uruguay,1987. Galerie Latina, Montevideo, Uruguay,1990. Städtisches Kulturzentrum, Asunción, 1992. Galerie Fábrica, Asunción, 1992. Galerie Plástica Nueva, Santiago, Chile, 1993. Rathaus von Puerto Varas, Chile, 1993. Galerie La Casona de Gaja, San Bernardino, Paraguay. Arte Nuestro Galerie, Villarrica, Paraguay, 1994. Viejo Galpón, San Bernardino, Paraguay. Club Social, Encarnación, Paraguay, 1995. La Galería, Punta del Este, Uruguay, 1996. Taperuvicha-Galerie Belmarco, Asunción, 1997. Städtisches Kulturzentrum, Säle der Casa Castelvi und des Espacio Miguel Acevedo, Retrospektive 1964–2003, Asunción, 2003. Ausstellung El Retorno, CAV/Museo del Barro, Asunción, 2005. Cartografía Personal, Retrospektive 1965-2005, Kulturzentrum der Republik El Cabildo, Asunción, 2005. Ausstellung im Kulturzentrum Pedro Páramo, Mexikanische Botschaft, Asunción, 2006. Jüngste Werke, Galerie Fábrica, Asunción, 2007. Der geometrische Ursprung: vierzig Vorstudien, CAV/Museo del Barro, Asunción, 2007. Raum, Licht und Bewegung, Galerie Montealegre, Bogotá, Kolumbien, 2008. Raum, Licht und Bewegung, Instituto Cervantes, München, Deutschland, 2008. Raum, Licht und Bewegung, Galerie Z, Bratislava, Slowakei, 2009.“Raum, Licht und Bewegung“, Instituto Cervantes, Wien, Osterreich, 2009.


PRINCIPALES EXPOSICIONES COLECTIVAS.

Galería Martel, Asunción, 1964. 2ª y 3ª Bienal de Córdoba, Argentina, 1964, 1966. Galería Arca, La Paz, Bolivia, 1965. 8ª y 10ª Bienal de Sâo Paulo, Brasil, 1965, 1969. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina, 1966. Galerie Denise René, París, 1967, 1969. Musée des Beaux Arts, Gand, Bélgica, 1967. Maison de la Culture, Grenoble, France, 1968. Musée d'Art Moderne de la Ville, París, 1968, 1969. 6ª Bienal de París, Musée Galliera, París, 1969. Galería Zen, Milan, 1973. Agam, Careaga, Rivers, Riley, Le Parc, Vasarely, Soto, Stamford Museum, Conn., USA, 1974. Wendy´s Gallery, NYC, 1975. OAS Gallery, Washington, 1976. Grand Palais, París, 1976. Lilian Heidenberg Gallery, NYC, 1976. Instituto de Cultura Hispánica, Madrid, 1977. Marc Gallery, San Francisco, USA, 1977. Careaga, Le Parc, Soto, Vasarely, Galería Citröen, Asunción, Paraguay, 1977. Centre Culturel Municipal, Villeparisis, Francia, 1978. 4ª Bienal de Arte, Medellín, Colombia, 1981. Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile, 1982. Foro de Arte Contemporáneo, México DF, 1982. Vasarely y sus amigos, Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay, y Museo de Arte Moderno de Asunción, Paraguay, 1983. 20th Century Art, Latin America, Window South Collection, Menlo Park, California, USA , 1983. Premio Cristóbal Colón, Centro Cultural Conde Duque, Ayuntamiento de Madrid, España, 1984. Palacio Municipal, Montevideo, Uruguay, 1985. Canning House, Londres, 1987. Museo de Arte Italiano, Lima, Perú, 1987. World Trade Center, NYC, 1988. Maison des Cultures du Monde, París, 1989. Grand Défilé a Delhi, India, 1989. Galería Espacio, San Salvador, El Salvador, 1991. Visual Arts Center, Hong Kong, 1992. EXPO'92, Sevilla, España, 1992. De Torres García a Soto, Art Museum of the Americas, Washington DC, 1992. L’Amérique dans tous ses États, Maison de l'Amérique Latine, París, 1993. Galería Fábrica, Asunción, 1994. Galería Yatay, Asunción, 1994. 3ª Bienal Martel, Invitado especial, Asunción, 1994. Arte al Sur, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina, 1995. La Galería, Punta del Este, Uruguay, 1996. 1ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil, 1997. Solo Artisti Stranieri, Galería Sincron, Brescia, Italia, 1997. Como en Magíster, Galería Livio Abramo, Embajada del Brasil, Asunción, 1998. Siglo XX. Una interpretación de los artistas paraguayos, Galería de Arte Livio Abramo, Embajada de Brasil, Asunción, 1999. Caminos de la Línea, Galería Livio Abramo, Embajada de Brasil, Asunción, 2000. 20 Artistas nacidos entre el 20 y el 50, Galería Belmarco, Asunción, 2000, 2001. Galería Matices, Asunción, 2001. Segunda Exposición Binacional, Arte Paraguayo–Americano, Embajada de los Estados Unidos y Carmelitas Center, Asunción, 2002. Expression Fuschia, Asunción, 2003. Arte Sudamericana, Galería Sincron, Brescia, Italia, 2003. 3ª Exposición Binacional de Arte Paraguayo- Americano, CCPA, Asunción, 2003. Los Novísimos 1964–2004, Centro Cultural de la Ciudad, Asunción, 2004. Paraguay Open Door, Centro Cultural Flagey, Bruselas, Bélgica, 2006. IX Bienal de Cuenca, Ecuador, 2007. ARTBO 2007, Montealegre Galería de Arte, Bogotá, Colombia, 2007. Propuestas Paralelas, Museo de Arte Guillermo Ceniceros, Durango, México, 2007. Masters of the 20th Century Latin American Art, National Museum of Contemporary Art, Palacio Deoksugung, Seúl, Corea, 2008. “Colección FEMSA, memorias y transiciones“, Casa Redonda Museo Chihuahuense de Arte Contemporáneo, Chihuahua, México, 2009.


WICHTIGSTE GRUPPENAUSSTELLUNGEN:

Galerie Martel, Asunción, 1964. 2. und 3. Biennale in Córdoba, Argentinien, 1964, 1966. Galerie Arca, La Paz, Bolivien, 1965. 8. und 10. Biennale in Sâo Paulo, Brasilien, 1965, 1969. Nationales Museum der Schönen Künste in Buenos Aires, Argentinien, 1966. Galerie Denise René, Paris, 1967, 1969. Musée des Beaux Arts, Gand, Belgien, 1967. Maison de la Culture, Grenoble, Frankreich, 1968. Musée d'Art Moderne de la Ville, Paris, 1968, 1969. 6. Biennale in Paris, Musée Galliera, Paris, 1969. Galerie Zen, Mailand, 1973. Agam, Careaga, Rivers, Riley, Le Parc, Vasarely, Soto, Stamford Museum, Conn., USA., 1974. Wendy´s Gallery, NYC., 1975. OAS Gallery, Washington DC, 1976. Grand Palais, Paris, 1976. Lilian Heidenberg Gallery, NYC., 1976. Institut für Hispanische Kultur, Madrid, 1977. Marc Gallery, San Francisco, USA., 1977. Careaga, Le Parc, Soto, Vasarely, Galerie Citröen, Asunción, Paraguay, 1977. Gemeindekulturzentrum, Villeparisis, Frankreich, 1978. 4. Kunstbienale, Medellín, Kolumbien, 1981. Museum für Gegenwartskunst , Santiago, Chile, 1982. Forum der Gegenwartskunst, México City, 1982. Vasarely und seine Freunde, Museum für Gegenwartskunst, Montevideo, Uruguay, und Museum für Moderne Kunst in Asunción, Paraguay, 1983. 20th. Century Art, Latin America, Window South Collection, Menlo Park, California, USA., 1983. Preis Cristóbal Colón, Säle des Kulturzentrums Conde Duque, Stadtverwaltung Madrid, Spanien, 1984. Ratspalast, Montevideo, Uruguay, 1985. Canning House, Londres, 1987. Museum für Italienische Kunst, Lima, Perú, 1987. World Trade Center, NYC., 1988. Maison des Cultures du Monde, Paris, 1989. Grand Défilé in Delhi, Indien, 1989. Galerie Espacio, San Salvador, El Salvador, 1991. Visual Arts Center, Hong Kong, 1992. EXPO'92, Sevilla, Spanien, 1992. Von Torres García bis Soto Kunstmuseum of the Americas, Washington DC., 1992. L’Amérique dans tous ses Etats, Maison de l'Amérique Latine, Paris, 1993. Galerie Fábrica, Asunción, 1994. Galerie Yatay, Asunción, 1994. 3. Biennale Martel–Ehrengast-Asunción, 1994. Arte al Sur, Kulturzentrum Recoleta, Bs. As., Argentinien, 1995. La Galería, Punta del Este, Uruguay, 1996. 1. Biennale der Bildenden Künste des Mercosul, Porto Alegre, Brasilien, 1997. Solo Artisti Stranieri, Galerie Sincron, Brescia, Italien, 1997. Como en Magíster, Galerie Livio Abramo, Kulturzentrum der Brasilianischen Botschaft, Asunción, 1998. 20. Jahrhundert, Eine Interpretation der paraguayischen Künstler, Galerie Livio Abramo, Kulturzentrum der Brasilianischen Botschaft , Asunción, 1999. Wege der Linie, Galerie Livio Abramo, Kulturzentrum der Brasilianischen Botschaft, Asunción, 2000. 20 Künstler geboren zwischen den 20er und den 50er Jahren, Galerie Belmarco, Asunción, 2000, 2001. Galerie Matices, Asunción, 2001. Zweite binationale Ausstellung, Paraguayisch-amerikanische Kunst, Botschaft der USA. und Carmelitas Center, Asunción, 2002. Expression Fuschia, Asunción, 2003. Südamerikanische Kunst, Galerie Sincron, Brescia, Italien, 2003. 3. Binationale Ausstellung Paraguayisch-amerikanischer Kunst, Paraguayisch-amerikanisches Kulturzentrum, Asunción, 2003. Los Novisimos 1964–2004, Stadtkulturzentrum, Casa Castelvi, Asunción, 2004.Paraguay Open Door, Kulturzentrum Flagey, Brüssel, Belgien, 2006. IX Biennale in Cuenca, Ecuador, 2007. ARTBO 2007, Montealegre Kunstgalerie, Bogotá, Kolumbien, 2007. Parallele Aussagen, Kunstmuseum Guillermo Ceniceros, Durango, México, 2007. Meister des 20. Jahrhunderts, Lateinamerikanische Kunst, Nationales Museum für Gegenwartskunst, Nationales Kunstmuseum , Deoksugung Palast, Seoul, Korea, 2008.“Colección FEMSA, memorias y transiciones“, Casa Redonda Museo Chihuahuense de Arte Contemporáneo, Chihuahua, México, 2009.

Logros obtenidos

  • 1965 Cofundador del Museo de Arte Moderno de Asunción.
  • 1966?67 Beca de estudios del Gobierno Francés.
  • 1980?84 Representante de los artistas en el Consejo Administrativo de la Fundación Museo de Arte Moderno de Asunción.

Sus obras figuran en numerosas e importantes colecciones privadas nacionales e internacionales.

Exposiciones Personales

Descripción de sus exposiciones

Centro Cultural de la Ciudad Asunción y Galería Fábrica, Asunción, 1992

LAS PERIPECIAS DE LA FORMA EXACTA

Por Ticio Escobar


El espacio convertido en figura y en lugar, en discurso y en tema. La forma vuelta símbolo exacto de sí misma, volumen que cuaja una idea: parámetro único del espacio-universo. Sobre el círculo que se cierra sobre estos dos términos se desenvuelve la obsesión final de la imagen de Careaga y se abre la escena infinita de los tiempos recurrentes y las luces siderales.

Obviamente, el paradigma tarda en concretarse. Formado en la Facultad de Arquitectura y en el fecundo y poco ortodoxo taller de Cira Moscarda, la presencia de Careaga en el ambiente plástico del Paraguay se define con el grupo Los Novísimos hacia mediados de la década de los años sesenta. Su imagen de aquel momento, impulsada por los argumentos vehementes y los derroteros erráticos de la action painting, tenía en verdad muy poco que ver con las calculadas razones que hoy ordenan milimétricamente el curso de los cuerpos matemáticos y la no presencia densa del absoluto y el vacío. Por entonces, el juego arbitrario de los chorreados y los deslizamientos de la pintura, la densidad de la materia y la expresividad de la textura imponían sus verdades y sus condiciones visuales postergando las preocupaciones por la estructura y las preguntas acerca del origen o el más allá del espacio.

Pero poco después, y quizá ya empujada por estos interrogantes, su imagen desnuda de golpe el detrás de sus nervaduras limpias y su organización exacta; y un mundo cuadriculado de fuerzas irradiantes y puros blancos y negros despliega el secreto de geometrías desconocidas y vibrantes retículas; de luces, movimientos y líneas virtuales que marcarán desde entonces, y ya para siempre, el no-lugar de la utopía del lugar perfecto. Este descubrimiento de los recursos del op-art es, pues, decisivo; trae a colación el tema de lo incondicionado y lo medido, la cuestión de lo ficticio y lo construido, los recursos de la ilusión y los efectos del cálculo. Poco después, la dimensión de lo real se cuela por esa brecha que abre toda reflexión sobre el alcance de los signos y, entonces, surgen experiencias con cajas y construcciones tridimensionales: volúmenes que expulsan de la escena el espacio representado y lo hacen convivir con el ambiente natural y las profundidades reales. Pero esas proyecciones son movidas sólo por la necesidad de reacomodar posiciones y duran poco; enseguida, las figuras retroceden hasta el fondo de sus propios recintos y se convierten en bandas planas y paralelas, enfrentadas desde sus tonos adversarios, o en esquemas bidimensionales cuyos colores, dispuestos en meditadas gradaciones, anuncian ya los fundamentos de posteriores campos cromáticos.

Las experiencias lumínicas y los montajes establecen un paréntesis necesario que ayudan a cerrar la década de los sesenta: abren ventanas y renuevan el tratamiento de las mismas cuestiones al plantearlas desde una óptica otra. Clausurado aquel tiempo breve que tributa a las vanguardias, la figura retoma su devenir pautado y sus calculados contornos pero, enseguida, el espacio sumiso por sus formas transitado se descentra y se desplaza; el círculo se convierte en una esfera cortada que alberga volúmenes y proyecta cuerpos: que inventa un fondo sin fondo y rasga, irreversible, los lindes del escenario. Centrado, hundido a medias en un vacío espeso y a medias flotando en el centro del abismo, el cuerpo exhibe el peso ingrávido de su materia recientemente compacta y define la autosuficiencia de sus dominios flamantes. Una vez estrenados sus derechos, la figura vuelve por momentos a cancelar toda dimensión tercera y se rearma, otra vez, desde las puras superficies y desde el movimiento que disloca, desplaza y encastra las franjas planas. Ese retroceso parece significar una toma de impulso; apenas comenzada la década de los setenta, la esfera vuelve a hincharse y a recuperar profundidades y volúmenes; vacila brevemente en cuanto a su rumbo hasta que se decide por abrir su interior habitado por otros espacios y termina por alargarse en formas elípticas, curvar las franjas y torcer la dirección de sus cortes transversales.

En algún momento de su devenir, hacia mediados de la década, el cuerpo se convierte en un cubo: un paralelepípedo compacto o una estructura abierta que, ocupando, frontal, casi todo el lugar del cuadro, define de sí un espacio negro; una nada o un vació cósmico: el absoluto mismo o la ausencia suprema. Esta imagen, que dura todo lo que resta de la década de los setenta, marca el punto más alto de la llamada “geometría fantástica” de Careaga, independiente, ya, de ciertos principios básicos de la pura visualidad op y los efectos cinéticos.

El cuerpo recorta sus volúmenes y sus perspectivas y traza, cortante, su silueta. Y lo hace no desde la pura interacción luz/color sino a partir de una estricta lógica geométrica. La esfera o el cubo no aparecen como efectos de manipulaciones de la percepción que los hacen destacar entre la trama de un espacio ambiguo, sino que se desplazan, nítidos, como figuras que avanzan o retroceden independientemente de las condiciones del medio que las enmarca y a partir de un movimiento no sugerido ópticamente sino construido plásticamente. También este es el momento más alto de las connotaciones siderales y las alusiones tecno-espaciales.

Cerrados, cargados de luces propias, los entes geométricos que surcan la escena negra, aún desde las muchas direcciones semánticas a las que apuntan, no pueden dejar de remitir a ritmos planetarios y a tiempos galácticos.

Otra mutación: durante los años ochenta, paralelamente, a veces, al devenir de aquellos signos estelares, Careaga se vuelve sobre el puro andamiaje que, invisible, sostiene la trama del espacio. Los cuerpos son desaojados y aparecen las puras coordenadas, el entramado oculto que, desde la trastienda, apuntala la escena. Ese orden riguroso delata, por un lado, la formación arquitectónica del pintor; por otro, nombra la necesidad de explorar el fondo y el detrás de aquel lado oscuro que hasta entonces actuaba sólo como parámetro del silencio más radical, como la cifra imposible de la derrota del límite.

Esta indiscreta exploración tiene su precio: develado el más acá de la representación, hacia fines de la década de los ochenta, las fuerzas pierden el control del trazado matemático e irrumpen otros vientos y energías. Aquel lugar aséptico y cerrado del equilibrio perfecto y la armonía soñada; la silueta del mito moderno, con compás trazada, el refugio ideal del discurso, el paisaje apacible de la Razón, ven invadidos sus claustros herméticos por la presión del tiempo, por las urgencias del deseo que levantan torbellinos y enjambres e inventan vibraciones nuevas intentando, quizá, nombrar otra vez el todo desde las razones de la partícula y el fragmento o la lógica impecable del caos, parámetro final y amenaza vigilante de cada proyecto que busca levantar mundos perfectos.


El Retorno 7 de abril de 2005 Llevada a cabo en el Centro de Artes Visuales / Museo del Barro. Esta exposición tiene el sentido de una vuelta sobre su propia obra, una mirada retrospectiva fijada en un momento específico de su trayectoria.


Movimiento Circular 11 de septiembre de 2006 Desde la experimentación óptica y ajenos a cualquier inquietud metafísica, nos internamos en el campo de lo ritual: un “espacio sagrado” a partir de la perfecta combinación de dos símbolos tradicionalmente poderosos, el cuadrado y el círculo.


El círculo y su sombra.

Círculos, movimientos A la historia del arte siempre le desveló el tema del desarrollo de las formas. ¿Cuál es la fuerza interna, el principio inmanente, que sirve de eje en torno al cual crecen las formas coherentemente? ¿Existe un sentido, una finalidad en ese despliegue? ¿Cuál es la lógica de ese movimiento que obedece, sin duda, a otros modelos de racionalidad? Estas preguntas, que resultaran claves para el arte clásico y el moderno, adquieren hoy otras formulaciones, pero siguen latiendo por dentro. Es evidente que, cuestionado un modelo lineal y evolutivo, desmontado el historicismo que explica la saga de las formas como la marcha de una idea; criticado, en fin, el modelo secuencial del tiempo artístico, entonces irrumpen variables mantenidas a raya por la historia del arte tradicional: las rupturas y saltos, los retornos, las vueltas hacia atrás, los desvíos antojadizos de la forma que busca cumplir mediante caminos paralelos el anhelo de un rumbo propio. Enrique Careaga ha trabajado obsesivamente la forma y ha inscrito este trabajo en el curso de una exploración rigurosa acerca de su proceso. Por una parte, el artista ha pulido, ajustado, organizado y compuesto sus figuras construyendo para ellas un calculado diagrama geométrico y levantando espacios levísimos, compactos, virtuales, imposibles: pura nada espacial o éter vaporoso, vacío compacto; negruras de absoluto o parajes infinitos que sostienen (por un instante, para siempre) la forma y la encuadran; la discuten a veces. Por otra parte, ha estudiado siempre la trayectoria y el destino de estas geometrías palpitantes o heladas: cuyo impulso ha requerido reajustes e innovaciones constantes. La figura del círculo le ha servido como esquema ideal, mítico, del principio pleno y el proceso cabal: el arquetipo de la imagen cumplida y cerrada, consumada en la pureza del trazo y la verdad de su extensión exacta o su volumen rotundo y matemático. Centrado, incrustado o sumergido en un fondo nocturno o suspendido sobre el abismo, el círculo oscila, sin moverse, entre la ingravidez, que la hace flotar sobre el vacío, y el peso de su masa de luces y energías, que sugiere profundidades y volúmenes. Un disco, o una masa esférica e intensa, que tiende a expandir su propia figura y a soltar sus fuerzas en una implosión callada.

El centro perdido Pero la tensión recién descrita se relaciona ya con la obra mostrada ahora: expuesto al movimiento y a la luz, sujeto a la contingencia del afuera, el círculo o la esfera, exhiben el punto blanco, concentrado de pura luz o de ausencia. Este haz reverberante, vacío de imagen, impide la clausura del círculo y emite ondas de radiación, provoca giros helicoidales, impulsos arrojados desde un centro ausente y cegador. El esplendor de la falta anticipa, radiante, un afuera del círculo. O una mancha ubicada dentro de él que se niega a aparecer. O un espacio paralelo a su propio espacio que empuja desde un lugar invisible. Enfrentado a su otro, marcado por la diferencia (expuesto a la intemperie de lo contingente), el círculo indica ya no un desplazamiento de rotación y avance hacia una meta segura a la que apunta la historia, sino diversos movimientos que dislocan, estremecen o trastornan su propio interior con corrientes eléctricas, relampagueos, giros y contra giros, radiaciones y contracciones. Pero, también, con movimientos que empujan hacia fuera, hacia el espacio negro que a veces borronea los límites del círculo y filtra sus honduras en las vetas luminosas de su cuerpo simétrico. La figura del círculo se ha descentrado: ha extraviado su núcleo exacto o lo ha visto convertido en foco de rayos que encandilan, que impiden mirar la matriz de la imagen, el punto del equilibrio y la radiación: el centro. Entonces, los dos protagonistas de esta historia -el círculo que estabiliza el campo de la representación y el movimiento que lo impulsa hacia un derrotero prefijado- han perdido la garantía de un eje unificador, una presencia plena, un rumbo seguro. Ahora el juego depende de azares e imprevisiones, de los antojos de fuerzas desconocidas, de la contingencia de un tiempo arbitrario. La figura ya no tiene la certidumbre circular de los ciclos cumplidos y los esquemas cerrados. Pero ha obtenido el vigor que confiere el descampado. Y puede aspirar a abrirse, por un instante, a otras luces, otras verdades que centellean afuera. A crecer con el contorno fugaz de su propia sombra.

Ticio Escobar


El origen geométrico: (CAV/Museo del Barro, Asunción, 2007)

Enrique Careaga se encuentra en un momento de intensa producción, tensada entre las reflexiones acerca de su obra anterior y el impulso hacia nuevas formulaciones. Es como si en este tiempo -marcado por la necesidad del arte de revisar su propia historia- el artista precisare reinscribir su imagen desde la referencia a sus inicios. Edward Said distingue entre el origen y el comienzo: el primero marca un principio fundacional y único; el segundo se refiere a la constante tarea de reconstruir la génesis de una historia que tiene muchas fuentes y muchas entradas. En la exposición habilitada actualmente, Careaga trabaja la tensión entre los comienzos de su obra y su pintura más reciente. Confrontadas entre sí, las obras replantean su propio proceso, complejizan sus conceptos y remiten a otras instancias de comprensión.

Los bocetos o estudios preliminares de Careaga forman parte de una mirada retrospectiva que, desde el año 2005, lanza el artista sobre su obra realizada desde mediados de los años ’60 y, particularmente, en París durante los años ’70. Esta mirada hacia atrás busca recobrar un momento histórico y personal y re-exponerlo, promover su discusión con el presente y abrirlo a los desafíos de nuevas pautas de percepción y pensamiento.

Por otra parte, el hecho de que la exposición se encuentre realizada a partir de bocetos redobla el carácter procesual de su pintura: los estudios previos mantienen despierto el sentido de desarrollo de la obra e impiden que ésta quede clausurada en el esquema matemático de sus diseños. El esbozo anuncia no el origen, sino el comienzo, el reinicio constante de la pintura: a lo largo de cuarenta años, el curso de la geometría recomienza continuamente la búsqueda inacabable de una forma perfecta que se encuentra siempre más allá de toda posibilidad de representación.

Ironía y cálculo

Algunas obras continúan aquí la economía del boceto: trazadas a mano, sin plantilla y sin cintas-guía, ciertas pinturas remiten al concepto de sprezzatura; el desliz mínimo que perturba y anima el quehacer material del arte y lo distingue del mero hacer técnico, la perfección instrumental que está en su base. En esta Serie de las Transformaciones, Careaga introduce una tensión entre lo bidimensional y lo volumétrico, cuyos niveles oscilan en un juego indecidible que produce desplazamientos, cortes y dislocamientos de la forma y perturban la homogeneidad del plano.

Estos juegos provocan rápidas alusiones figurativas. Hay vagas referencias a arquitecturas (vacilantes construcciones verticales, baluartes dislocados, torres enfrentadas a sus funciones imposibles), pero también hay connotaciones orgánicas: figuras vivas, que ascienden ondulantes, desafiando el espacio y buscando o esquivando las luces: revelando una mirada, por un momento, lúdica. Esta breve torsión irónica es la que permite una reflexión acerca de la propia pintura geométrica e instala en ella distancias que habilitan otras miradas. El propio artista se vuelve sobre su obra iniciada a mediados de los años sesenta e imagina, a partir de ellas, narraciones que, quizá, estaban potencialmente contenidas en ella pero que sólo son capaces de desarrollarse fomentadas por otro tiempo. Por eso los desacoples constructivos, los cortes y desvíos de la figura geométrica resultan operaciones fundamentales para discutir la fijeza de un mundo concebido en términos de planos y volúmenes: lo provisional de los bocetos, los “errores” de la ejecución a mano y los quebrantos de la forma hablan de los tiempos desiguales y los espacios quebrados de nuestro paisaje actual. Pero también mencionan un conflicto irresoluble entre el pasado y el presente, un choque que sólo podrá manifestarse -que no resolverse- en efímeros cortocircuitos de la percepción: en ese relampagueo de la memoria, diría Benjamin, capaz de sacudir brevemente las certezas de cada tiempo y entreabrir, una y otra vez, los terceros lugares que exige la diferencia.

Ticio Escobar

Diciembre 07


”Espacio, Luz y Movimiento”, Galería “Z”, Bratislava, Eslovaquia, Marzo 2009.'

La abstracción geométrica es, a su modo, el esperanto de las artes plásticas, el lenguaje internacional de este género que inspiró un amplio espectro y en una medida mundial a muchas personalidades de la esfera de la creación. Es un lenguaje a través del cual se expresan con entusiasmo y que siempre de nuevo vuelven a formular ya varias generaciones sucesivas de artistas plásticos. La abstracción geométrica, la construcción y el Op art, o Arte Óptico, como categorías de las artes plásticas han experimentado en Europa y en ambos continentes americanos en las décadas precedentes una evolución interesante, implementando muchos programas de autores, y por tanto mutaciones, diversas síntesis y fuerzas contrarias, desviaciones formales y filosóficas, infinitas y únicas en el tiempo y el espacio. La posibilidad de identificar las especificidades y características comunes de las manifestaciones territoriales, regionales o nacionales en ese campo, dada su propia esencia – la abstracción, la universalidad y la lógica plenamente válida- es, cuando menos cuestionable… Siempre, en la región o el país dado, se trata de notables individualidades creativas que hacen avanzar la comprensión y abren nuevas ventanas. Igual que el artista plástico paraguayo Enrique Careaga, quien con su actividad, influencia e importancia ha trascendido, desde hace tiempo, las fronteras de su país natal. Enrique Careaga estudió en los años 1959 – 1962 en la Escuela de Bellas Artes de Asunción, en el taller de pintura de la pedagoga Cira Moscarda, mujer inspiradora y considerada. En el período entre 1964- 66- un hecho bastante revelador-Arquitectura en la Universidad Nacional de Asunción. Ya había incursionado en el campo de la abstracción geométrica y el Op art cuando consiguió la concesión de una beca en París, donde estudió en el atelier de Víctor Vasarely la integración del arte y la arquitectura. Una información básica, pero a la vez una indudable tarjeta de presentación. En París, Careaga no sólo reafirmó su interés sino – como resultó – también devino representante consecuente de la abstracción geométrica y de las tendencias Op art sin discursos episódicos o incursiones en otras esferas. Careaga sigue desarrollando y enriqueciendo su programa con nuevas líneas y variantes de sistemas geométricos. Le interesa la materialización de las relaciones racionales – condicionadas por una fuerza indefinible – entre los diferentes elementos en el espacio. Formula el tema de manera creativa y lo resuelve de modo novedoso, con una dosis precisa de travesura y combinaciones reelaboradas. Trabaja con categorías sustanciales (la superficie, la línea, el volumen, el espacio, el color, la luz, el movimiento, la ilusión…), pero en un nivel específico, “careagano”. Su programa es la sinergia de ideas y plasticidad del Op art, de la abstracción y construcción geométrica. En algunas líneas prevalece un principio sobre otro, pero siempre es evidente su correlación. Y también la percepción arquitectónica y la brillante manipulación del espacio, en el que proyecta sus visiones. Enrique Careaga elabora y despliega el tema y el problema formal con él vinculado en ciclos. No abandona el tema mientras éste siga aportando nuevas inspiraciones, mientras siga siendo fuente de descubrimientos. En la exposición en el Instituto Cervantes de Viena se presenta con una selección de obras de varios de ellos. En el ciclo “Desplazamientos” estudia diferentes combinaciones de desplazamientos de líneas multicolores sucesivas – en sentido vertical, horizontal, diagonal, en olas y también en siluetas moldeadas. Las de mayor intensidad son un ritmo que se pega y trasmite y que activa los sentidos del espectador. En “Transformación Espacio Temporal” resuelve la penetración de dos sistemas, mundos, organismos, ideas… unas veces concordes y otras antagónicos. “Mouvement Circulaire” evidencia su parentesco y también que se ha tendido un puente formal con los móviles circulares cinéticos del año 1967. En el marco del objeto esférico que levita en un espacio oscuro e indefinido, investiga todas las direcciones posibles de movimiento de un cuerpo y de la luz salientes de un punto central. La luz/fulgor en las estructuras filigranas pulsa y gradualmente va perdiendo intensidad. Altamente sugestivo. Similares pero más intensas son la composiciones geométricas que sugieren una misteriosa historia y fuerzas que suscitan la impresión de poquedad e incapacidad de influir en la situación… como en “Estructuras Espacio –Temporales” o “Vibraciones espacio – temporales” o “Campos Magnéticos”. Justo esta cuarta dimensión, el impulso asociativo único con alcance emotivo en la ya mencionada presentación sinérgica de Careaga del Op art y de la abstracción geométrica – es ese “algo” específico sudamericano o paraguayo, mas con toda seguridad “careagano” .

Xénia Lettrichová

Estudios

  • 1959/62 Escuela de Bellas Artes "Lucinda Moscarda", Asunción.
  • 1964/66 Arquitectura, Universidad Nacional de Asunción.
  • 1966/67 Integración del Arte y la Arquitectura, Atelier de Víctor Vasarely, París, Francia.


Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Asunción.

Obtenido de "Enrique Careaga"

Wikimedia foundation. 2010.

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